Es dificil, hoy día, encontrar comedias en EEUU en las que haya más motivos para reirse que un chiste escatológico. Salvo honrosas excepciones como el gran Kevin Smith (Autor de obras maestras como Clerks, Mallrats o Persiguiendo a Amy) hay que remontarse unos cuantos años atras para ver películas de calidad en este género. Esta película, titulada originalmente After Hours (Título más adecuado, por cierto), está dirigida por Martin Scorsese. Resulta extraño ver como un director tan considerado y más enfocado hacia otros géneros como Scorsese haciendo una comedia tan delirate y extraña como After Hours.

 

La historia trata sobre un joven pero gris y aburrido informático que encuentra a una preciosa chica en una cafetería y se queda enamorado de ella. Después de conseguir una cita le van sucediendo acontecimientos tan extraños como divertidos. El guión es muy bueno, con gags estupendos, momentos de misterio y una capa de cine surrealista que pegaría más con una película de David Lynch. Como en las películas de este último después del final te pasas un buen rato pensando y tratando de unir los cabos sueltos que muy inteligentemente deja el guión. Por si el esto fuera poco, la dirección está al nivel habitual de Scorsese, es decir, excelente. El neoyorquino sabe jugar con la estética nocturna de su ciudad natal convirtiendo al Soho donde se desarrolla la película en un personaje más. El diseño de producción, muy ochentero, como es lógico, gustará mucho a los fans del cine de aquella época, que no son pocos. El reparto muy bien escogido, con un protagonista convincente, Griffin Dunne (Habitual del cine de la época, actor de películas como Un Hombre Lobo Americano en Londres o El Gran Azul), una guapísima Rosana Arquette y un puñado de secundarios de calidad, como Linda Fiorentino y Teri Garr. Todas piezas encajan en el puzzle de esta película, que pese a haber pasado 20 años desde su estreno aun tiene capacidad de sorprender y de divertir como pocas.

 

9/10

La próxima semana volverán las críticas de cine

 

Saludos!!!

En los cinco años que pasaron entre el lanzamiento de la primera maqueta con los Dire Straits y el aquí comentado Love Over Gold, habían cambiado muchas cosas. La formación, en principio M.Knopfler, D.Knopfler, Issley y Withers había pasado a ser M.Knopfler, Lindes, Issley, Clark y Withers. Por si esto fuera poco, este último abandonaría poco después el grupo para dedicarse a su auténtica pasión, el jazz. Este LOG, fue el punto de inflexión entre los "Early Straits" y los Straits posteriores. ¿Un cambio para bien o para mal? No lo sé pero de lo que estoy seguro es que los Straits siguieron siendo un gran grupo.

 

Este disco, influenciado por el rock progresivo de los 70, es una muestra de la evolución de la banda, que demuestra polivalencia y capacidad de adaptación. Comienza con Telegraph Road, que está en mi opinión entre las 5 mejores canciones que Knopfler haya compuesto jamás. Un auténtico logro de 15 minutos pero que nunca cansa, cosa que pocas canciones que pasen de los 10 minutos pueden decir. La canción narra la historia del nacimiento, crecimiento y muerte de una ciudad al más puro estilo western, perfecta demostración de la habilidad de Knopfler como escritor, aderezada con un increible trabajo de teclados, guitarras y batería, en un ejercicio musical de incalculable valor. Tras ella viene Private Investigations, una canción que mejora mucho con el directo, y que al contrario que Telegraph Road llega a cansar un poco. De todas formas Private Investigations es muy destacable aunque solo sea por ser atípica, y mejora con los reescuchados. Después viene Industrial Disease, un claro precedente del mega éxito Walk of Life. ID es una canción pegadiza, bailable y de letra irónica donde las haya. Tras ella viene el tema que da nombre al album, Love Over Gold, una canción buena, sin más. El último corte es It Never Rains, notable canción a la que le falta "algo" para convertirse en sobresaliente. En resumen este es un disco excelente, con algún pequeño bajón de nivel, pero en general merece la pena tenerlo.

 

Nota: 9/10

1980, el punk se va muriendo. El estilo predominante en la época 1977-1980 va a menos. Las discografías necesitan nuevos grupos para conquistar a la audiencia y se lanzan a promocionar a los grupos de calidad que hasta ese momento habían dejado en un segundo plano. Nacen grupos como U2, Tom Petty and The Heartbreakers o REM. La banda de Mark Knopfler, ahora sin David Knopfler, que se marcha por que no le gusta el rumbo que toma el grupo, aprovecha esta promoción para dar a conocer aun más (El éxito del single Sultans of Swing fue enorme) su música. Es la primera vez que los Dire graban videoclips, aunque desgraciadamente el director y reparto elegidos para ello no fue el más adecuado, pues eran de una cálidad ínfima y un cutrerío notable. Pese a esto, el disco es una auténtica joya, una evolución en el sonido de los Straits, y que tiene más mérito aun, pues Mark graba el sólo todas las guitarras.

El disco comienza con Tunnel of Love, una obra maestra musical, que lo tiene todo, letra estupenda, gitarras increibles, variada, pegadiza, un teclado tremendo... Es de las tres mejores canciones de los Dire, y posiblemente, una de las 20 mejores de la historia del rock. El disco continua con la mítica Romeo and Juliet, suave, acústica y muy buena. Tras ella nos encontramos con Skateaway, una canción muy infravalorada, con un trabajo de baterías increible y un estribllo muy bueno. Después viene Expresso Love, una canción diseñada para single, pegadiza y bailable, algo atípico viendo la trayectoria de los Straits. Cuatro canciones, cuatro joyas, y lo mejor es que las dos siguientes son muy buenas también. Hand in Hand es algo más suave que sus dos predecesoras, quizás demasiado dulzona, pero no está nada mal. Solid Rock es una canción definida como puro rock and roll, y es tremanda, además de tener un final apoteósico. El último corte es quizás el peor musicalmente hablando, aunque tiene una letra sin desperdicio.

Nota: 10/10

Estamos en 1977, en pleno auge del punk. En Inglaterra surgen bandas como los Sex Pistols o The Clash. Mientras tanto, en Escocia, cuatro amigos crean una banda que se convertiría en una de las más populares de la historia del rock. Estamos hablando de Dire Straits, grupo formado en aquella éwpoca por Mark Knopfler, David Knopfler, John Issley y Pick Withers. En contraste con el sucio y rudo sonido del punk rock, los Dire Straits tienen un sonido limpio y refinado, heredero del primer rock´n´roll y del blues. Destaca especialmente por la extrema habilidad de su guitarrista y vocalista, Mark Knopfler, un cantante un tanto limitado, pero un genio a la guitarra.

 

En su primer álbum, aquí comentado, aun no habían forjado un sonido muy característico, como el que tendrían en discos posteriores. El disco tiene un comienzo potente, con la notable Down to the Waterline, pero a partir de ahí la calidad va bajando poco a poco. El segundo corte, Water Of Love, es un tema bastante sobrevalorado, pero aun así es muy correcto. El tercer tema, Setting Me Up, está entre lo peorcito del grupo de Knopfler, pues pese a que Knopfler demuestra su talento a la guitarra es una composición mediocre y aburrida.  Menos mal que con la siguiente canción estamos ante el primer clásico de los Dire. Six Blade Knife es una obra maestra se mire por donde se mire, una canción absolutamente genial. Después de esta nos encontramos con la prescindible, aunque correcta Southbound Again. El disco llega a su culmen con Sultans of Swing, un himno con uno de los mejores solos de guitarra de la historia del rock. Tras esa nos encontramos con la infravalorada y muy recomendable In The Gallery y posteriormente encontramos Wild West End y Lions, temas que no destacan excesivamente, pero que no desentonan en el disco.

 

En definitiva, estamos ante un comienzo interesante y que apuntaba muy buenas maneras, pero con un sonido aun por mejorar.

 

Nota: 7,5/10

 

 

Como no todo en esta vida es cine y música, aquí hablaré de mis comics favoritos, las mejores obras del llamado noveno arte (O octavo, no estoy demasiado seguro)

 

1 - Asterix - Si, para empezar un cómic considerado infantil, pero es mucho mas que eso. Todos los tomos se caracterizan por unos dibujos notables y unos guiones cargados de fina ironía. La pareja formada por Goscinny y Uderzo creó obras maestras a mi entender, siendo mi favorita Asterix en Helvecia. (9/10)

 

2 - Tintín - Las aventuras del periodista belga, acusadas de racistas y anticomunistas por diversos medios de comunicación, son el paradigama de la diversión con ciertos toques de humor en el cómic. (8/10)

 

3 - Corto Maltés - Hugo Pratt creó una leyenda con este personaje, y ese mundo que mecla la avebtura con la intriga, las organizaciones secretas... Por si esto fuera poco sus dibujos eran una auténtica obra de arte. Mención especial para Fábula de Venecia  (9,5/10)

 

4 - Blueberry - Las aventuras de este explorador del oeste y de sus compañeros, tienen un grato recuerdo en mi memoría, aunque lo mejor de todo eran los increibles dibujos del gran Moebius. (8/10)

 

5 - La Liga de los Hombres extraordinarios - Un cómic con una historia fantástica en todos los sentidos posibles de la palabra repleto de hidtorias increibles y fascinantes que te trasladan al mundo de la literatura decimonoónica. Adictivo y divertidísimo. (9,75/10)

 

6 - V de Vendetta - Inspirado en libros como 1984 o Un Mundo Feliz, Alan Moore se sacó de la manga una nueva obra maestra del cómic con una trama increible y unos personajes tan bien definidos, realistas y bien estructurados que impresionan (9,5/10)

 

7 - Watchmen - No es un cómic cualquiera. Es EL CÓMIC. (1000/10)

El cine estadounidense lleva unos cuantos años de capa caida, con productos comerciales al cien por cien y muchos proyectos para lucimiento de las estrellas de la música y televisión. Ver películas que sepan mezclar comercialidad, calidad y entretenimiento es hoy un imposible, debido a la codicia de los ejecutivos de las grandes productoras. Por eso ahora en los cines abundan bodrios como "Dos Chalados y Muchas Curvas", "A Todo Gas" o "Stealth, La Amenaza Invisible", películas donde el único reclamo es una protagonista guapa o unos efectos especiales resultones. La aquí criticada Cuatro Hermanos viene a ser un oasis en este desierto, una auténtica sorpresa que supera con mucho al 80% del cine que hay en cartelera.

 

El planteamiento viene a ser un remake del clásico western de 1962 "Los Cuatro Hijos de Katie Elder", pero actualizado y con algún reclamo para el espectador que busque cine palomitero al cien por cien.  Los cuatro hijos adoptivos de una mujer anciana asesinada por unos ladrones, que son el violento y impulsivo Bobby (Correcto Mark Walhberg), el ligón Angel (Tyrese Gibson, que aunque no se luce mucho al menos no chirria en el conjunto), el joven Jack (Notable papel del novato Garrett Hedlund) y el padre de familia y empresario Jeremiah (Sorprendente papel del actor-cantante Andre Benjamin, que hace creible su personaje y debuta con un papel muy bien interpretado) se reunen para enterrar a su madre, y, gracias a una propuesta de Bobby se deciden a investigar por su propia cuenta el crimen. El guión es tópico y absurdo, pero al menos es entretenido y tiene ciertos toques de humor que se agradecen y mejoran el conjunto. La BSO es uno de los aspectos más flojos, con un hip-hop machacón y repetitivo. Eso sí, John Singleton se toma en serio su trabajo y crea secuencias de acción de primera calidad, con una de las mejores persecucioes vistas en el cine en los últimos 20 años. Desgraciadamente se pierde cuando intenta dar más profundidad a los personajes, aunque esto no importa demasiado, pues es un thriller de acción y no un drama social.

 

En definitiva Cuatro Hermanos es una película que te ofrece entretenimiento de calidad, y eso te da. Si no tienes reparos en ver una película cuya vocación no es principalmente artística, pues no es tu película

 

7,5/10

Mark Knopfler, excelente compositor, cantante, letrista, y, sobre todo guitarrista, es una de las grandes figuras de la música en los últimos 30 años. Desde sus inicios como lider de los Dire Straits (Grupo al que recordareis por grandes canciones como Sultans Of Swing, Brothers in Arms, So far Away, Money For Nothing o Walk of Life),hasta sus discos en solitario, sus Bandas Sonoras (Especialmente la magnífica BSO de Local Hero), sus colaboraciones, o el malogrado grupo Notting Hillibilles ha ido desarrollando un estilo propio y se ha converido en un guitarrista y un cantante enorme, alejandose mas de sus antiguas influencias (JJ Cale, Eric Clapton, Lonnie Johnson o Phyl Lynott en la guitarra y Bob Dylan en la voz y en las letras) para convertirse en una referencia en el mundo del rock.

 

Shangri-La es su cuarto disco en solitario si no contamos las Bandas Sonoras y es realmente un disco muy logrado. Desde el primer corte se nota ese "estilo Knopfler" tan desarrollado, aunque completamente distinto al de los Dire Straits. Si en aquella banda nos ofrecía larguísimos solos de guitarra y riffs espectaculares, aquí tiene un estilo más contenido, cercano al blues y al country. El nivel es muy alto en casi todas las canciones salvo en el corte 3, "Sucker Row", que en mi opinión es la más floja del disco. La herencia Dylaniana se nota en "Don´t Crash the Ambulance" y se atreve a fusionar música latina y blues-rock en "Postcards from Paraguay". Knopfler demuestra haber evolucionado mucho, con un disco excelente y muy personal, una pequeña joyita en su discografía.

 

Nota: 9+

El 7 de Abril de 1939 nació en Detroit, Michigan, un hombre del que podemos decir que ha realizado algunas de las mejores películas de la historia del cine y que es una de las personas más influyentes de Hollywood en los últimos treinta años. Su nombre es Francis Ford Coppola.

 

La infancia del director fue itinerante debido a la profesión de su padre, flautista en una orquesta. Al no poder hacer amigos debido al poco tiempo que estaba en las ciudades donde vivía, Francis Ford fue un niño solitario cuyas aficiones eran la tecnología y el cine. Unos años después el joven Francis se graduó en Arte teatral por la universidad de Hofstra. Le apasionaba el cine, y decidió estudiar también cine el UCLA. Allí conoció a George Lucas, con el que trabajaría posteriormente. Después de salir de la universidad, donde había realizado films experimentales, Coppola entró a trabajar como director en la productora de terror de Roger Corman. La película más destacable de ese periodo fue Dementia 13, que obtuvo cierto éxito comercial. En esa época se dedicaba también a escribir guiones de grandes producciones, como ¿Arde Paris? Poco después Coppola dirige Finian´s Rainbow, un musical con Petula Clark y el veterano Fred Astaire. Esta película obtuvo un notable exito, algo impresionante en una época en la que el musical se consideraba muerto. En 1971 Coppola recibe su primer oscar por el guión de Patton, biografía del militar de nombre homónimo. Este éxito le sirvió de trampolín para convertirse en uno de los niños mimados del Hollywood de la época.

 

Después del Oscar de Patton a Coppola le ofrecen hacerse cargo de la adaptación a la gran pantalla del best-seller El Padrino, de Mario Puzo. El Libro trata sobre una familia mafiosa y su historia. En un primer momento Coppola rechaza el proyecto, pero poco después lo acepta haciendo caso de un consejo de su padre, que le recomendaba dirigirlo. Coppola se hizo cargo de un proyecto que le haría famoso. El rodaje de El Padrino estuvo cargado de problemas y anécdotas. Para Coppola Don Vito tenía que ser Marlon Brando, pero la productora no le quería por su fama de problemático y el propio Brando tampoco quería el papel, pues aseguraba que no pensaba glorificar a la mafia. Pero el empeño de Coppola hizo que Brando terminase siendo Don Vito. Durante la escritura del guión Mario Puzo y Coppola recibieron la visita de dos hombres bien vestidos y muy educados que les pidieron que no incluyera en la película las palabras "mafia", "cosa nostra" o derivados. Esa es la razón de que no se escuche en toda la película ninguna de estas palabras. Pese a este accidentado rodaje la película tuvo un éxito enorme tanto de público como de crítica. El Padrino ganó tres oscars, mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor (Marlon Brando). Hoy día está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos, y, en mi opinión, es una obra maestra del cine. Después del éxito de El Padrino Coppola tenía entera libertad para hacer lo que quisiera, aunque la productora le exigía una 2ª parte. En ese momento tenía 4 proyectos. la dirección de La Conversación y El Padrino Parte II, el guión de El Gran Gatsby y la producción de American Graffiti, de su amigo George Lucas.

 

La Conversación, protagonizada por Gene Hackman, fue un gran éxito de crítica, obteniendo la Palma de Oro de Cannes. El Padrino Parte II fue un éxito de público, como era esperable, y para sorpresa de mucha gente tambien de crítica. Nunca una secuela había llegado a semejante nivel. En mi opinión es inferior a la primera parte, pero hay mucha gente que asegura que es muy superior a la primera. El Padrino Parte II ganó 6 oscars, y confirmó a Coppola como uno de los directores más importantes del momento.

Si le preguntas a la mayoría de los aficionados al cine por peliculas de Francis Ford Coppola recordarán la trilogía del Padrino o Apocalypse Now. Algun aficionado recordará películas como Rebeldes o Dracula, pero pocos se acordarán de la joya que es la Ley de la Calle.

Las comparaciones con Rebeldes son inevitables. Basadas en sendos libros de la escritora Susan. E Hinton, con una ambiente parecido, un reparto con caras que coinciden en ambas peliculas (Matt Dillon, por ejemplo) y el mismo director. En general, La Ley de la Calle es una pelicula mas compleja y menos infantil. La ley de la Calle trata de Rusty James, un joven que añora los tiempos en los que las pandillas juveniles dominaban la ciudad porque quiere seguir la estela de su hermano mayor, el llamado "Chico de la Moto", la gran leyenda de aquella época.

A diferencia de Rebeldes, donde los personajes eran bastante planos, aquí son más complejos, están atormentados y tienen dudas. El "Chico de la Moto" es ya uno de los personajes más enigmáticos y legendarios del cine moderno. La Ley de la Calle es un espléndido retrato de los suburbios de las ciudades, donde los jóvenes se ven obligados a huir si no quieren vivir entre miseria y violencia. La Ley de la Calle es una película realista y violenta, que emociona al espectador.

Técnicamente la pelicula es una maravilla, con una estética y unos planos impecables. Coppola hace impresionantes juegos de luces y sombras y vuelve a usar con maestría el montaje en paralelo como ya hiciera en la trilogía de El Padrino. El magnífico uso del blanco y negro es otra de sus bazas para conquitar al espectador. El reparto es realmente excelente. Plagado de habituales del cine de Coppola, como Nicolas Cage (Sobrino del realizador) o Diane Lane. También podemos ver en papeles casi anecdóticos al excelente músico Tom Waits y a Lawrence Fishburne. Pero las mejores interpretaciones son las de los dos protagonistas. Mickey Rourke está inmenso en el papel del chico de la moto y Matt Dillon vuelve a hacerlo tan bien como en Rebeldes.

En definitiva, creo que La Ley de la Calle es una película espléndida, que, pese a no haber sido un éxito comercial en su época, ha aguantado muy bien el paso de los años y se ha convertido en un clásico.

Un 9+

Aunque no lo parezca por el título, Las Muñecas Rusas es la segunda parte de aquella divertidisima comedia sobre las andanzas de unos erasmus en Barcelona, Una Casa de Locos. Si la primera parte fue una de las mejores comedias europeas de esta década, la segunda trata de exprimir la misma fórmula, pero con menos encanto que la original, como suele ser habitual.

El protagonista vuelve a ser Xavier (Romain Duris) , el neurótico parisino que encajaria perfectamente en una película de Woody Allen acompañado otra vez de Martine, Isabelle, Wendy, William... En esta ocasión han pasado 5 años, pero los personajes no han madurado, nada, especialmente Xavier, que sigue sin tener una novia y sin trabajo fijo. El trabajo le lleva a Londres, donde se reencontrará con una compañera de Erasmus, y donde volverá a recordar todo lo que pasó.

El guión vuelve a ser muy bueno, aunque pierde el factor sorpresa de la original. En ocasiones tira de recursos fáciles, y llega a ser un poco previsible y repetitiva, pero al menos los gags y enredos cómicos de esta segunda parte están a un nivel tan bueno como la primera. El director, Cedric Klapisch, usa otra vez las vueltas en el tiempo y en el espacio y le otorga a la película un ritmo irregular, a veces excesivamente lento y a veces demasiado rápido. Vuelve a usar el recurso de una voz en off para narrar las situaciones, que es un recurso peligroso, porque cuando se usa en exceso puede llegar a cansar, pero Klapisch demuestra que puede meterlo en la película y no pasarse. La Banda Sonora está muy compenetrada con las imágenes y ayuda incluso a situarnos en el lugar en que se produce la acción. El reparto está muy bien escogido, el protagonista demuestra muchas tablas, y todos los secundarios cumplen a la perfección. En esta segunda parte se le otorga más protagonismo a Kelly Reilly, que cumple sin más y a Kevin Bishop, que consigue que su personaje sea el más divertido de todos cuantos pueblan el universo de "Las Muñecas Rusas"

Resumiendo, esta segunda parte no llega al nivel de la película original pero entretiene mucho y merece la pena verla. Si has visto la primera es muy recomendable verla porque sigue las andanzas de aquellos divertidos y cosmopolitas erasmus en Barcelona, aunque ahora los veamos en Londres y San Petesburgo.

Un 7+

Bueno, creo este espacio para poder hablar de los temas que me interesan, pricipalmente cine y música, aunque seguro que habra algún off-topic ocasional.

 

Es el primer blog que hago, así que no soy un entendido en la materia. Ya teneis disponibles un par de listas de musica para vuestro disfrute y proximamente habrá críticas de películas y de discos.